Cine fantástico: La celda

LA CELDA

Catherine (Jennifer López) es una psicoterapeuta que trabaja en un método experimental, adentrándose virtualmente en el  subconsciente de sus pacientes. Pero se sucede un arriesgado giro de acontecimientos, cuando el FBI le pide adentrarse en el subconsciente de un asesino en serie que permanece en coma; y que además tiene secuestrada a una de sus víctimas. Catherine va conociendo poco a poco al niño interno del criminal y la inhumana niñez que sufrió, al mismo tiempo que la identidad y crueldad del asesino y de cómo le ve reflejado en sus sueños. Aunque padece un contratiempo y entonces Catherine no es capaz de asimilar su subconsciente quedando así atrapada en el de él; teniendo que recurrir a varios métodos para salirse.

El film muestra un escenario surrealista, dónde los detalles y los escenarios están especialmente cuidados como se muestra en los teatrillos de muñecas que hacen sus víctimas. En la película se hace una especial importancia al agua, como un elemento negativo y destructor, el bautismo está estrechamente relacionado, con el ahogamiento y con la idea de paz y muerte que produce en sus victimas, a la vez que se refleja la idea de ingravidez en los cuerpos. Grandes alusiones se hacen a las torturas religiosas, al collar de perro puesto a las victimas como objeto dominante masculino, y a la fragilidad infantil como al sexo femenino. Es curioso ver que a mitad de la película, hay una gran alusión al arte americano de Damien Hirst, tal como se muestra en un caballo dividido en secciones que aparece en el film.

Patricia Benito Doñate

Va de madres (I)

DANCE IN THE DARK

Selma, es una inmigrante checa asentada en Estados Unidos de América. Selma vive con su hijo en una vida aburrida y miserable, dónde una ceguera progresiva le complica la vida laboral y diaria, y padeciéndolo por herencia genética también su vástago. Selma decide trabajar duro para pagarle a su hijo la operación que le permitirá hacer la vida normal que ella nunca tuvo. Pero las cosas se tuercen con sus vecinos y acaban de la peor manera posible. A medida que discurre la historia Selma empieza a imaginarse un sinfín de musicales relacionados con su vida cotidiana, incluso en sus  momentos más duros, estos musicales despliegan y hacen florecer la antigua edad de oro hollywoodiense.

 La película aparte de ser tremenda mente dramática consigue emocionar al espectador mediante la gran carga materna lista y sacrificadora de la protagonista. A la vez que nos permite descubrir el lado más tierno e infantil de ella. La película en sí, mezcla planos de rodaje amateurs, pero perfectamente producidos y cuidados con otros más profesionales.

Patricia Benito Doñate

Cine dramático: Factory Girl

FACTORY GIRL

Basada en una historia real, cuenta la vida de la millonaria Edie Sedgwick y su amistad con el reconocido Andy Warhol. Edie decide viajar a New York, dónde conorá la “ Factoria “ del artista  Pop más influyente del arte, y en dónde deciden hacer las famosas películas amateurs del genio. Warhol, toma a Edie bajo su custodia, y decide hacerla su musa. Protagonizando los dos una tierna historia de amistad, que luego se va disgregando por desfases económicos, chutes de “speed” y el amor que siente Edie hacia Bob Dylan, que la hace cuestionarse continuamente la relación por conveniencia que mantiene Warhol con ella.

Lo que más impacta de esta historia, es el descarte y la clasificación de personas que hacia Andie Warhol con la gente que le rodeaba, a la vez que dependía de ellas, para mantener su arte y élite social en el culmen de la cultura y el sensacionalismo americano.Y el prototipo de Edie Sedgwick, como la ingenua niña rica que termina perdiendo el norte en la vida. Me parece la historia, un conjunto de tópicos, como por ejemplo, la clase rica corrompida por el dinero, la familia des estructurada de alta alcurnia, la mojigatería de los artistas frente a los medios comunicativos o la drogodependencia que existía en las altas esferas. Sin duda el director resuelve con gran destreza el mecanismo metafórico, que lleva la película consigo mismo, hace una asimilación de la “Factoria” de Warhol con las industrias culturales existentes, que engullen a ideas y personas hasta dejarlas vacías.

Patricia Benito Doñate

Cine de suspense: La piel que hábito

LA PIEL QUE HÁBITO

Robert es un reconocido cirujano plástico, con una brillante carrera. Éste vive con  su criada Marilia y una paciente llamada Vera, en una casa a las afueras. La película va relatando el triángulo amoroso que hubo entre Gal (la esposa de Robert) y Zeca(su hermano), junto a un trágico final; cuando Gal acabó quemada pero aun con vida al estrellarse con su amante en el coche. Gal termina dejando huérfana  a Norma (hija de Robert), que padece un déficit de comunicación; siendo una adolescente, es violada por un joven, dónde su padre pondrá el ojo de mira para destruirle a la vez que experimentar con su genética y su cuerpo, convirtiéndolo en una persona totalmente diferente a la que era antes. Robert se va enamorando poco a poco de Vera, produciendo un sentimiento de recuerdo y amor hacia ella,  pero que a su vez  no es correspondido.

La película tiene una trama surrealista y complicada que se asemeja en cierto modo a la novela  de “El moderno Prometeo”, con la construcción perfecta de un ser. Locura, ciencia y anhelo de un ser querido  se entremezclan en el film, paralelamente a la destrucción y transformación. En la película se permite ver entre los personajes un desapego emocional y sentimental a la vida humana como también a la causa  de ella, y haciéndonos ver hasta qué punto puede llegar el ser humano a trastocar el orden natural de los seres. Almodóvar, juega con el tema de identidad, para lograr un deseo externo y no cómo un fin común positivo. Nos hace pensar esta historia en la teoría platónica, del cuerpo como recipiente de alma y los sentimientos, capaces de construirse en él,un templo que los proteja y cuide, de los problemas exteriores….En la película se hace una importante reseña al arte de Bourgeois y la importancia de la escritura como un medio, de liberación y sanación.

Patricia Benito Doñate

Cine de animación: La chica que saltaba a través del tiempo (Toki wo kakeru shojo)

Película de Mamoru Hosoda basada en la novela del mismo nombre del escritor de ciencia ficción Yasutaka Tsutsui. Esta producción de origen japones se proyectó en los cines en el año 2006 y recibió el premio a la mejor película de animación del festival de Sitges de ese mismo año.

La película nos cuenta la historia de Makoto Konno, una estudiante de secundaria bastante despreocupada que prefiere pasar el tiempo divirtiéndose y jugando al baseball con sus amigos, Chiaki Mamiya y Kousuke Tsuda, de los que pronto se separará al terminar el curso. Pero la vida de esta joven cambia repentinamente tras estar apunto de sufrir un accidente que la hubiera matado seguro...y viajar atrás en el tiempo justo antes del impacto. De este modo, Makoto empieza a usar esta nueva habilidad (la cual descubre que puede usar cuando salta. Cuanto más largo sea el salto, más atrás podrá viajar) en beneficio propio, sin pararse a pensar en las consecuencias de sus actos y en los cambios que realiza en el pasado que tal vez podrían afectarla negativamente en el futuro.

Tiene un sabor joven, refrescante y cálido, tal vez por el ambiente pre-veraniego que se respira en los 98 minutos que dura la película. El dibujo es de una tremenda sencillez, pero la historia suple lo que podría haber llegado a ser una falta como una forma delicada de contar una historia de juventud. Comienza de una forma bastante simple y sencilla: tres amigos que pronto comenzarán la universidad, y cada uno tiene pensado llevar un camino completamente diferente en la vida, lo que los distanciará inevitablemente. Esto es, precisamente, lo que impulsa a Makoto a viajar al pasado una y otra vez, para poder pasar el máximo tiempo posible con sus amigos, prolongando el "ahora" hasta casi no poder más. Es una película ciertamente entretenida, de la cual no esperas la mayoría de los giros argumentales que llega a tener. Esperas de ella un argumento más simple y despreocupado de lo que resulta ser más adelante. Es una muy grata sorpresa, ya que de otra forma hubiese sido lineal y repetitiva. 

Para ver esta película, es recomendable ir con la mente despejada y abierta, ya que al principio es muy posible que resulte algo lenta, puede que simple y e insípida, pero poco a poco irás descubriendo que esta producción guarda más de una sorpresa para el espectador. Debes estar muy atento a los pequeños y juguetones detalles que ofrece, ya que gracias a ellos la experiencia de esta película será increíblemente más placentera.

Marta Sordo de la Rubiera

Series de animacion: Avatar, la leyenda de Aang

Hace mucho tiempo, las cuatro naciones vivían juntas en armonía...

Esta serie se estrenó en el año 2005 y estuvo en emisión hasta el 2008 en el canal estadounidense Nickelodeon, creada por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko. La historia nos habla de un mundo ficticio en el que existen cuatro naciones diferenciadas por sus elementos: el Reino de la Tierra, la Nación del Fuego, las Tribus del Agua y los Nómadas del Aire. Dentro de estos países, se encuentran algunas personas con habilidades muy especiales. Nacen con la capacidad de controlar el elemento de su lugar de origen. Existe, a su vez, una figura de increíble poder: el único capaz de controlar los cuatro elementos, encargado de mantener la paz en el mundo y servir de puente entre el mundo de los vivos y de los espíritus. El Avatar, que se reencarna de forma rotativa en miembros de cada una de las naciones.

Pero...¿qué ocurre cuando de repente el Avatar desaparece misteriosamente durante cien años?

Eso es justo lo que narra nuestra historia. El Avatar ha desaparecido, y con él la paz. En ese tiempo, la Nación del Fuego ha aprovechado para conquistar casi todos los territorios, pretendiendo hacerse con el control absoluto del mundo. Por fortuna, Sokka y Katara, dos hermanos residentes de la Tribu del Agua del Sur encuentran un iceberg en cuyo interior se encuentra un joven Nómada del Aire llamado Aang, los cuales desaparecieron hace cien años con el inicio de la guerra...

Esta emocionante serie de tres temporadas y 61 episodios es total te mantendrá pegado a la pantalla desde el inicio. Es una serie llena de personajes carismáticos que no dejarán a nadie indiferente, que evolucionarán increíblemente a lo largo de la trama, madurando con la historia. Tanto héroes como villanos conquistarán al espectador con sus impresionantes carismas y te harán reír, temblar y llorar junto a ellos.

Particularmente esta serie me conquistó completamente desde el principio. Te será imposible elegir un personaje favorito, ya que todos son hermosos a su manera, cada uno con puntos fuertes y papeles dentro de la serie muy diferentes. El estilo de dibujo es sencillo a la par que increíblemente expresivo, haciendo una fusión perfecta entre los estilos anime japonés y cartoon americano. Recomiendo esta serie encarecidamente, pero a su vez recomiendo precaución y verla con tiempo libre, ya que te será imposible ver solo un episodio.

Marta Sordo de la Rubiera

Cine de suspense: Cannibal (Manuel Martín Cuenca)

Toda la película se desarrolla en una ciudad gris y sombría. Carlos es un prestigioso sastre de la ciudad de Granada que tiene una macabra obsesión, se alimenta de los cuerpos de las mujeres que él desea. El personaje principal se desenvuelve en la ciudad sin levantar la más mínima sospecha, personificado como el perfecto caballero. Carlos es a su vez frio, constante en su trabajo criminal y una persona que no siente ni padece por lo que hace.

En la trama se puede apreciar el cuidado estético y austero de los contextos en los que se desarrolla, como a su vez la simpleza de su guión. El director se aleja de toda exageración cinematográfica, y recrea un ambiente cercano. El film embulle al espectador  en una calma y atención constantes a medida que empieza una historia entre Carlos y dos hermanas gemelas rumanas (Alexandra y Nina), que a su vez son completamente diferentes personalmente.

Se aprecia en la película una simbiosis perfecta entre religión, comida, deseo y tema tabú del canibalismo, cuando escuchamos el sermón del párroco de barrio al decir: “Comed todos de él, porque éste  es mi cuerpo y ésta es mi sangre” A mi parecer esto concuerda con un ideal religioso entre comida y amor, pero que a la par, para llegar a aquello tenemos que quitar la vida a algo animal o vegetal. El director muestra la delicadeza y preparación con la que cocina a sus víctimas, que en un pasado no pudo llegar a disfrutar de su amor y de su sexualidad. Pero toda su percepción del amor y el deseo empiezan a cambiar cuando íntima con Nina, quien le hace cuestionar sus actos.

Patricia Benito Doñate

Personajes incomprendidos del cine III

FRANKESTEIN

Víctor Frankestein es un prodigioso y genial estudiante suizo en el campo de la ciencia. Cuando su maestro muere Víctor retoma el antiguo proyecto de su profesor y logra crear vida a partir de restos de cadáveres, fruto de la experimentación y el trabajo, pero Víctor, egoísta e insensible, decide deshacerse de él dejándolo desamparado  y en soledad por la vida, creando en él un sentimiento de rabia y cólera hacia su creador por haberlo conformado tan abominable que infunde terror y asco a quién lo conoce. Y la misma suerte corre la esposa de Víctor, que sin comerlo ni beberlo, se ve revivida y con un espantoso dolor de cuello, totalmente consciente de la locura que ha hecho su esposo.

JEKILL / MR HYDE

El doctor Jekill es un importante y renombrado médico londinense, afamado por ser amable, caballeroso y todo un ejemplo de persona, pero que a su vez siente tedio y aburrimiento de la rutina que lleva, y de cómo le exige la sociedad la vida que debe de llevar. Jekyll va experimentando poco a poco con sustancias estupefacientes, hasta que un día logra dar con una que le cambia su manera de ser, su manera de pensar  y su físico, convirtiéndose así en Mr Hyde, un hombre grotesco, que devora la vida a cada paso que da, que no le teme a nada ni a nadie, y no tiene control sobre sus propios límites sin importarle las consecuencias que pueda ocasionar por el camino.

Patricia Benito Doñate

Cine de animación: Red Line (Takeshi Koike)

Estira y deforma la perspectiva hasta los límites que puedas imaginar, marca un ritmo de acción vertiginoso que no de tiempo a suspirar, y aderezalo con una trama alocada e insulsa sobre carreras ilegales sin regla alguna en pecios espaciales. Así es Red Line, una obra realizada por Takeshi Koike orientada desde el inicio al desvarío argumental, las explosiones constantes, los ingenios robóticos y, si, más dosis de locura.

Nuestro protagonista es JP, un criminal y piloto de carreras con un marcado estilo greaser, un tupé de grandes dimensiones y ropas de cuero tachonadas que recuerdan al género tecnofuturísta y punk postapocalíptico. Su recorrido por el guión es algo secundario y una simple justificación para pasar de una escena a otra y a la siguiente explosión, y así sucesivamente.

La sombra de la marca japonesa está presente en la aparición de chicas coloridas y con poderes mágicos inexplicables e innecesarios (ya advertí que el guión y la lógica son cosas que no fueron muy trabajadas en el film), grandes monstruos descontrolados, robots repletos de armas y gadgets, y personajes con dialogos predecibles y que apenas evolucionan.

Lo impactante de esta película de animación es su colorida paleta, sus exageraciones constantes tanto en los trazos como en las perspectivas, la música que en pocos segundos deja de introducirte en la acción, y el despliegue audiovisual, en general, del que hace gala este impresionante y prolongado proyecto.

La inquietud que debería generarsenos es con respecto a hasta que punto un film, por su mero contenido y calidad audiovisual, puede prescindir del guión y seguir resultando una obra asequible y que genere el interes de posibles espectadores. En los últimos tiempos esa parece ser la carta de presentación de variadas películas 3D que, bajo el pretexto de mostrar algo novedoso, sin serlo, ven innecesario invertir tiempo en sencillamente preguntarse si su trabajo entretiene a los posibles espectadores.

Cuando nos plantamos ante el televisor, proyector o pantalla de computador para visionar Red Line, estamos ante una obra técnicamente de grán logro visual, pero de guión pobre, o cuanto menos irreverente y ligéramente descuidado. Quedan advertidos.

Miguel Ángel Simón Porro

Personajes incomprendidos del cine II

CARRIE

Carrie es una introvertida adolescente que sufre acoso escolar por parte de sus compañeros y un completo rechazo por parte de los profesores. Por si eso fuera poco, se tiene que enfrentar al llegar a casa con su madre Margaret, una ultra-religiosa que siente asco de su propia hija y de su cuerpo. Carrie descubre que tiene poderes telequinéticos . Esto es sin duda el mejor ejemplo de no llevar a una adolescente psicópata y con súper poderes a un estado límite, ya que el resultado viene a ser una orgía de muerte y destrucción.

ALIEN RESURRECTION

Tras una larga temporada en el espacio, Riplay (Sigourney  Weaver), vuelve a la vida más extraterrestre que nunca, al sustraerle de su cuerpo un alíen-reina. Ésta espécimen (hablo del bicho) ha desarrollado un mecanismo reproductor similar al de un humano, en donde gesta a una horrible criatura mitad humana, mitad alíen, pero que a su vez resulta tremendamente enternecedora. El recién nacido mata a su madre biológica y pone sus adorables ojitos extraterrestres en su nueva madre, Riplay. Este nuevo ser busca el amor y la comprensión de su nueva madre, aunque sea una autentica máquina de matar. Pero  se lo perdonamos todo, porque es un recién nacido y tiene que experimentar para aprender.

Riplay, decide salvar a su especie, la humana (igual de mortífera y retorcida que estos bichos), y dar muerte a su cachorro extraterrestre, que también tiene sentimientos , como cualquier hijo de vecino. La criatura sufre la más dolorosa de las muertes marcianas, y el abandono y la incomprensión de su madre.

Patricia Benito Doñate